Saison 20-21

Une saison comme un voyage imaginaire

Ces prochaines semaines, nous vous invitons à découvrir la thématique de la saison 20-21 à travers des focus sur les créateurs, metteurs en scène, compositeurs, chanteurs, etc. que l’on retrouvera dès la rentrée prochaine. Choisir le thème de la réalité augmentée, c’est à la fois renouveler le rapport de l’opéra à la fiction dans une perspective technologique et repenser le rapport qu’entretient l’opéra avec la réalité. La saison 19-20 était plutôt politique et historique. La suivante sera davantage métaphysique, symbolique, onirique.

La saison 2020-2021 du Grand Théâtre débutera avec La Cenerentola de Rossini, une co-production mise en scène par un talent qui court les scènes du monde entier, Laurent Pelly, du 14 au 26 septembre 2020. Le fameux conte de Charles Perrault est revisité dans ce dramma giocoso, avec une Cendrillon qui s’appelle Angelina, une belle-mère devenue Don Magnifico et une bonne fée transformée en sage philosophe.

Laurent Pelly connaît bien le conte de Cendrillon, pour l’avoir mis en scène dans la version de Massenet, et qui a triomphé au Met Opera de New York. Au Grand Théâtre, le carrosse citrouille fera place à un cadre entre intérieur sobre et univers glamour et brillant. Le metteur en scène français pratique les grandes scènes lyriques et connaît bien le public romand, puisqu’il a notamment présenté Viva la Mamma! et Le Médecin malgré lui à l’Opéra des Nations ainsi que La Grande-Duchesse de Gérolstein à la scène de Neuve.

Elles et ils nous viennent de Belgique, d’Allemagne, de France et des États-Unis : découvrez nos 5 membres du Jeune Ensemble 2020-2021. La mezzo-soprano Anna Schaumlöffel nous accompagnera pour L’affaire Makropoulos, Candide, Parsifal et La Traviata. À ses côtés dans ces quatre œuvres, nous retrouverons le tenor lyonnais Julien Henric. Ce dernier participera également à l’opéra pour jeune public Le Soldat de plomb et le premier événement de la saison, les Aubes musicales aux Bains des Pâquis. À leurs côtés pour La Traviata et Parsifal, nous retrouverons la soprano belge Emma Posman. Un programme quelque peu différent attend la soprano Marie Lys, puisque nous la découvrirons dans Pelléas et Mélisande et Didon et Enée, en plus de La Clémence de Titus. Enfin, le baryton-basse Justin Hopkins cumulera les rôles avec au programme Candide, Pelléas et Mélisande, La Clémence de Titus, Parsifal et La Traviata!

En novembre prochain, retrouvez le Ballet du GTG dans un programme composé de 2 chorégraphies : Better Sun de Fana Tshabala et Exhibtion de Sibi Larbi Cherkaoui.
Si le jeune chorégraphe Fana Tshabalala, présent pour la première fois sur la scène du Grand Théâtre de Genève, a dans sa courte carrière déjà investigué la notion de «l’homme idéal» dans diverses sociétés, cette fois-ci c’est la recherche d’un monde meilleur qu’il vise. Sa création Better Sun thématise le départ vers un univers inconnu, sans limites mais plein d’horizons. Un départ douloureux mais un voyage plein d’espoir car c’est avec le seul bagage de leur corps que les danseurs y explorent le désert qui s’ouvre à eux, sans déchirement car sans attachements ni racines. Nul ne sait si le voyage est long, pas plus qu’où il mène. Le Sud-Africain fait un clin d’œil aux réfugiés qui parsèment les routes et à l’absurdité des déroutes politiques qui y répondent.
Après le grand succès de Fall la saison passée, la star de la danse belge et mondiale Sidi Larbi Cherkaoui revient au Grand Théâtre avec sa pièce Exhibition chorégraphiée sur  Les Tableaux d’une exposition de Moussorgsky, une des seules pièces instrumentales de ce pianiste virtuose qui balade l’auditeur d’un tableau à l’autre. Sur scène, ce sera la pianiste Chiara Opalio qui accompagnera les mouvement des danseuses et danseurs du Ballet du Grand Théâtre.

Pour cette nouvelle mise en scène de l’opéra de Puccini, Daniel Kramer transpose la vieille matière du conte dans un monde futuriste dans lequel Turandot exerce sa magie et sa puissance. L’emprise de cette femme qui ne veut pas devenir femme transforme l’État en une dictature de surveillance policière. Dans un monde-jeu dystopique aux allures de Hunger Games, elle élimine les hommes superflus et organise la reproduction et l’élevage de l’espèce dans un parc humano-mécanique. Pour le metteur en scène étasunien, la pièce est l’occasion d’aborder les dimensions archaïques de l’éternelle lutte entre les sexes.

Ils s’entraînent dès à présent, retrouvez-les en septembre dans Turandot ! Les enfants de la Maîtrise du Conservatoire populaire de musique, danse et théâtre prendront part au premier opéra de la saison, l’hypnotisant Turandot de Puccini, sous la baguette d’Antonino Fogliani.
 

 
Dans Turandot, le chœur d’enfants intervient à 4 reprises, et toujours avec le même motif: une mélodie pentatonique d’origine chinoise, qui sera l’un des thèmes récurrents, et qui traversera l’œuvre de bout en bout.
La première intervention, sans doute la plus marquante, se situe au 1er acte, lorsque la foule agitée, excitée à l’idée de la mise à mort du jeune prince perse qui a failli au jeu cruel des énigmes , se calme soudain en se tournant vers le ciel sombre, à la recherche de la lune. Dans ce moment suspendu arrivent les enfants, précédant le bourreau, chantant cette mélodie pure et simple (que l’on entend pour la première fois). L’effet est saisissant… La seconde intervention, autre moment-clé, au deuxième acte, annonce l’ apparition de la Princesse Turandot, à nouveau dans un climat d’attente glacée… Le thème est cette fois-ci doublé par tout le chœur bouche fermée. Par la suite, les enfants participeront aux scènes de foule, d’une part pour acclamer le prince Calaf victorieux, et d’autre part, à la fin pour saluer l’aube naissante, symbole de vie sauve pour le prince.
Les enfants de la Maîtrise sélectionnés pour cet opéra seront jeunes, voire très jeunes, selon le souhait du metteur en scène Daniel Kramer. La musique écrite pour eux est relativement simple, mais étonnamment, dans un médium plutôt grave (jusqu’au si bémol en-dessous de la portée) pour des voix d’enfants souvent utilisées plutôt dans une tessiture lumineuse et brillante plus aigüe. Il ne s’agira donc pas du tout des mêmes enfants, par exemple, que pour Parsifal au printemps 2021, ou là, seront privilégiées les voix déjà bien travaillées, aux tessitures plus étendues, et au souffle long, pour une écriture à 4 voix très exigeante, et qui seront donc plutôt nos grands élèves…
La Maîtrise se réjouit beaucoup de pouvoir à nouveau participer à un opéra, aux côtés de chanteurs et musiciens de haut vol! Pour tous les enfants qui ont pu vivre de tels moments, cela représente une expérience marquante, des soirées magiques inoubliables…

La pièce de théâtre Pelléas et Mélisande (1893) de Maurice Maeterlinck fait partie des œuvres-phares du mouvement symboliste, dans lequel tant d’autres artistes belges comme Émile Verhaeren, Georges Rodenbach ou James Ensor se sont illustrés. Claude Debussy fut l’un des nombreuses et nombreux musiciens à succomber au mystère intemporel de Pelléas et Mélisande et demanda à Maeterlinck d’adapter sa pièce en un livret pour le seul véritable opéra qu’il écrivit : « J’ai voulu que l’action ne s’arrêtât jamais, qu’elle fût continue, ininterrompue. Je n’ai jamais consenti à ce que ma musique brusquât ou retardât, par suite d’exigences techniques, le mouvement des sentiments et des passions de mes personnages. » Le caractère anti- rhétorique de Pelléas, qui évite soigneusement tout geste emphatique, en a fait le vaisseau-amiral des anti-Wagnériens, même si l’opéra de Debussy est une réponse moderniste audible à Tristan und Isolde et Parsifal.
La mise en scène de ce long rêve organique et lyrique unit les deux artistes chorégraphes belges Sidi Larbi Cherkaoui et Damien Jalet à la légendaire plasticienne et performeuse d’origine serbe Marina Abramović. Ensemble, ils font leur matière du cycle ininterrompu de la vie et de son lien inhérent au cosmos, refusant comme Debussy toute illustration, mais jetant des rais de lumière cosmique çà et là sur les énergies invisibles et les émotions cachées des personnages. Huit danseurs accompagnent et expriment l’intériorité des sentiments des solistes, tandis que la grande dame de la haute couture d’avant-garde Iris van Herpen habille leurs mailles invisibles.

Découvrez l’artiste Marina Abramović à travers un documentaire en 3 parties retraçant son travail pour l’exposition « The Cleaner » présentée au Moderna Museet à Stockholm en 2017.
 

Présenté en 2018 à l’Opera Ballet Vlaanderen, Pelléas et Mélisande est le résultat d’une réflexion entre Sidi Larbi Cherkaoui, Damien Jalet et Marina Abramović. L’équipe artistique explique son travail sur cette œuvre de Debussy.
 

Plus de 10 ans après sa dernière apparition sur la scène de Neuve, Parsifal fera son retour dans une mise en scène de Michael Thalheimel en avril 2021.
Au-delà du « festival scénique sacré », comme Wagner avait baptisé Parsifal, l’œuvre porte en elle tous les signes de la déchéance. Avec son style à la fois expressif et minimaliste, Thalheimer interprète l’œuvre comme les adieux au monde : le monde fait ses adieux à la confrérie du Graal, les chevaliers du Graal font leurs adieux à leur vie et à leur œuvre dans ce monde.
Wagner a conçu Parsifal pour être créé dans le Festspielhaus de Bayreuth et composa l’œuvre pour la fosse d’orchestre recouverte de cette salle, ce qui produisit à la première représentation, en 1882, un mélange sonore remarquable entre la scène et la fosse. À Genève, avec Jonathan Nott à la tête de l’Orchestre de la Suisse Romande, nous entendrons certainement un mélange de lucidité et de dynamisme qui révèlera les états de la matière de ce chef-d’œuvre.

« Caméra 5 » a pour vocation de faire découvrir un lieu lié à un événement, des personnages et leurs histoires, perçus sous différents angles d’approche : le Parsifal de Wagner présenté lors de la saison 2003-2004 était une opportunité idéale de pénétrer dans les coulisses du Grand Théâtre de Genève, et d’assister à l’accouchement d’un opéra par ses créateurs et ses techniciens. Plusieurs équipes de tournage synchronisées ont suivi les personnages clefs impliqués dans cette production du Grand Théâtre de Genève, tous concentrés à l’extrême et angoissés à l’idée du moindre incident ou accident de parcours.
Auteur : Patrick Dedole.
 

Candide fut sans aucun doute, en son temps et lieu, le meilleur des livres pour le « meilleur des mondes ». Et maintenant, le Grand Théâtre propose que Candide soit la meilleure des comédies musicales pour Genève.
Candide fut imaginé au début des années 1950 comme une pièce de théâtre avec des intermèdes musicaux par la scénariste et dramaturge de Broadway Lillian Hellman. Mais l’idée plut tellement à Leonard Bernstein qu’il convainquit Hellman de lui écrire un livret pour une opérette qu’il mettrait en musique. Bernstein ne réussit finalement jamais à choisir s’il faisait de cette comédie musicale un opéra, une opérette ou encore un vrai musical, laissant le spectateur (et les metteurs en scène) s’arranger avec sa nature hybride, entre hommage aux genres de la Vieille Europe et entertainment au cynisme critique sous-jacent à l’américaine.
Cette production genevoise sera confiée au metteur en scène germano-australien Barrie Kosky. Depuis 2012 à la tête du Komische Oper Berlin, Kosky aime Broadway, surtout quand il peut l’appliquer à l’opéra, avec une petite pincée de principes brechtiens pour l’assaisonner en profondeur !

Dans l’univers théâtral du collectif de danse belge Peeping Tom, les relations entre les êtres qui habitent le plateau sont l’excuse d’autant de voyages à l’intérieur des corps et de l’esprit. Zooms et dézooms nous emmènent d’un monde des impressions microscopiques à celui macroscopique de sentiments grands comme… comme la plus difforme des réalités superlatives. Ce monde psychique et émotif, aux règles à la fois strictes et organiques, sera amené, pour la première fois dans le parcours du collectif, à rentrer dans le cadre de la scène de l’opéra. Heureusement, au Grand Théâtre de Genève, le cadre est assez large, pas de crainte que ça ne coince.
Et pas plus que ça ne grince ! Surtout qu’Emmanuelle Haïm est la cheffe de cérémonie à la tête de l’ensemble avec lequel elle a parcouru déjà en long et en large les sentiers de la musique de Purcell. Le Concert d’Astrée lui-même se prêtera à quelques exercices périlleux d’improvisation musicale évoluant d’une réalité à l’autre de la scène, d’une texture musicale puriste aux chromatismes inspirés entre autres du fameux air final When I am laid in earth de l’unique opéra que l’Orphée anglais composa jamais. Didon comme vous ne l’avez jamais vu ni entendu.

Entre rituels chamaniques et lynchages politiques, Milo Rau et ses acolytes profiteront de cette œuvre de Mozart pour continuer à interroger la violence du monde d’aujourd’hui, avec sa saga de simulacres et contrefaçons. Le jeune chef Maxim Emelyanychev, déjà très sollicité entre autres au Festival de Glyndebourne, lui prêtera main-forte à la tête de l’Orchestre de Suisse Romande et des grandes voix mozartiennes du moment. Ne citons que le Suisse Bernard Richter dans le rôle-titre.

Thématiques de la saison 20-21

• Les figures de l’immersion
  Auteur : Bernard Guelton
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• Votre cerveau est un super-héros
  Quand les nouvelles technologies révèlent nos capacités insoupçonnées
  Auteur : Anatole Lecuyer
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• Pour l’amour du baroque
  Auteur : Patrick Barbier
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• L’art au féminin
  La reconnaissance des artistes femmes dans l’espace artistique
  Auteure : Marie Bagi
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Artistes phares :

• John Armleder : Du minimalisme à la saturation
  Auteure : Françoise Jaunin
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• Marina Abramovic : Traverser les murs, mémoires
  Auteur·e·s : Marina Abramovic, James Kaplan
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• Robert Wilson : Voyage en grande wilsonie
  Auteur : Philippe Malgouyres
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• Anne Teresa De Keersmaeker : Carnets d’une chorégraphe
  Auteures : Anne Teresa De Keersmaeker , Bojana Cvejic
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• Sidi Larbi Cherkaoui
  Auteure : Rosita Boisseau
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